pintura gotica
CONTEXTO HISTORICO SOCIAL
EDAD MEDIA:
Para su estudio se la divide en tres etapas:
Temprana Edad Media (s. V al VIII d.c.)
Alta Edad Media (s. IX al XI d.c.)
Baja Edad Media (s.XI al XIV d.c.)
A partir de este último hecho. Comienza una nueva etapa en la Historia, que se la conoce como la Edad Media. Esta etapa que extiende por un período de diez siglos, y se caracteriza por:
* El establecimiento del Imperio de Carlomagno, guerrero franco que intentó reconstruir el antiguo imperio de Roma.
* El nacimiento, en Arabia, de una nueva religión, llamada musulmana o islamismo, predicada por Mahoma.
* La invasión a España de los musulmanes, los cuales fueron definitivamente expulsados por los Reyes Isabel y Fernando.
* La implantación de un nuevo sistema de "gobierno". El feudalismo, sistema por el cual unos pocos terratenientes se adueñaron de las tierras de casi toda Europa y de sus habitantes, a quienes les permitían explotar sus tierras a cambio de un impuesto.
* Las Cruzadas. Que fueron expediciones religiosas y militares, para recuperar el sepulcro de Cristo.
* La desigualdad social y el predominio de la Iglesia fueron otras de las características de esta época.
* Las invasiones y conquistas de los bárbaros, sobre las diversas provincias del imperio romano.
ARTE DE LA EDAD MEDIA
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos,figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios.
Por último, aparece el arte o estilo gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos.
ARTE GOTICO
El arte gotico es el termino de la evolución del sistema romanico, llevado a las ultimas consecuencias por una sociedad que se sentía capas de grandes empresas y que ardia en deseos de perfeccion.
Este constituido por los siguientes elementos: bóvedas de crucerías, arbotantes para contrarrestar los empujes de las bóvedas y los arcos apuntados tanto en la construcción como en la decoración. El uso de ventanales con vidrieras de color representa un gran paso para el desarrollo artístico de la arquitectura gotica, pues sirvieron para dotar de pinturas transparentes y de rica policrimia los grandes edificios de la época.
Con gran razón se le ha llamado al siglo XIII como el siglo de la burguesía, pues el enfrentamiento entre la nobleza de sangre y la del dinero fue notable, y en parte las más altas manifestaciones artísticas del gotico fueron obra de la clase burguesa.
En toda la arqutectura gotica hubo un contraste entre masa y vanos y los principios de la abstracción y de lo cocreto se interponían como algo que manaba del espíritu social.
La propia escultura gotica es un símbolo de la individualidad que el hombre va adquiriendo pues el humanismo franciscano va descubriendo en el individuo que el es el centro de un creación.
La escolástica hemos dicho que anomó al arte ojival y el trivio y el cuadrivio en sus siete artes liberales daban al hombre el camino de que la fe necesitaba ser iluminada por la razón y el entendimiento.
El arte gotico en cuanto a sus elementos arquitectónicos es una evolución del romanico. La palabra gotico, según Vasari, la utilizo por primera vez Rafael Sanzio para designar el periodo artístico anterior al renacimiento y gotico vino a significar arte barbaro, aunque creemos que de forma intencional hubo una asimilación de diptongo y la palabra no debía ser gotico sino goetico, que quiere decir mágico, pues el arte gotico producida por verdaderos magos.
El origen del arte gotico esta en la de Ile de France y se inicio en los primeros años del siglo XIII, auque su principal característica que es la bóveda ojival de crucería ya había sido usada por los musulmanes españoles.
PERIODOS DEL ARTE GOTICO
Se puede señalar tres etapas principales en la evolución de este estilo:
1. Gotico temprano (siglos XII y XIII) se caracteriza por la robustez y pesadez de las construcciones. Las influencias francesas predominan en las catedrales europeas.
2. Gotico pleno (siglos XIII y XIV) formas esbeltas, ligeras, elegantes y de mayor riqueza de arnamentacion.
3. Gotico tardio o flamígero (siglos XV y XVI). Se sobrecarga la arnamentacion en un estilo filigranado, sumamente decorado.
Pintura
Dentro de la evolución pictórica del siglo XV se distinguen dos estilos, el estilo gótico internacional y el estilo flamenco. El primero corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y perduró en la mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El estilo flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV, paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de Europa durante la segunda mitad del siglo.
El estilo internacional apareció en el centro del continente como consecuencia de la fusión de elementos y formas del gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los pintores italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti).
El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.
El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. La principal aportación de esta escuela es la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza y enriquecimiento de la gama cromática, la realización de veladuras y la obtención de colores compuestos.
Los rasgos más definitorios del estilo flamenco fueron el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de la gama cromática y de ciertos objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, cuya primera obra célebre fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante. Sin embargo, dentro de la escuela destacó una figura excepcional, avanzada para su época: Hieronymus van Aken, llamado El Bosco, que desarrolló en sus obras un universo surrealista en clave moralizante. Entre sus obras cabe citar El jardín de las delicias (Museo del Prado, Madrid).
A lo largo del siglo XV la influencia flamenca se extendió por toda Europa, considerada como un renacimiento nórdico ajeno al punto de vista conceptual de la edad media.
La pintura gotica se remiote mayormente a los vitrales, códices y retablos. Desde a mediados del siglo XIV existe una corriente de fuerte influencia francesa (escuela franco-gótica) que perdura incluso hasta el siglo XV. En ellas aparecen temas inspirados en miniaturas y vidrieras, con fondo paisajístico. A mediados del siglo XIV surge con gran fuerza la pintura italiana a través de la escuela de Siena con Duccio de Bouninsegna, Simone Martini y Giotto Di Bondone que se expande por gran parte de Europa a fines de este siglo pasa el predominio Flandes y norte de Francia -estilo gotico internacional-, con alguna reminiscencia estéticas sienesas, siendo sus mayores características el colorido, un fuerte naturalismo, tendencia a la caricatura y la aparición de las figuras de los mecenas que patrocinaron la obra misma.
Durante el periodo gotico, la pintura mural desaparece casi en todos los países europeos excepto en Italia, donde siguió cultivándose con éxito. Los pintores de esta época prefieren pintar sobre tablas.
Podemos dividir la pintura gótica en tres grandes regiones: Italia, Flandes (con el norte de Francia, borgoña y Alemania) y península ibérica.
En Italia, en el siglo XIII, aparecen dos grandes escuelas: la Toscana y la de Siena. En ambas se observa un alejamiento de las normas y modelos tradicionales, y un afán por representar la naturaleza y la realidad de una manera más fiel.
Los mas importantes representantes de estas dos escuelas contribuyeron en su trabajo a decorar “la basílica de San Francisco”, en Asís, que reúne la mejor colección de pinturas y murales de la época.
A la escuela Toscana, que tuvo su centro en Florencia, pertenecen artistas como Cinabue y Cavallini, que rechazaban las influencias bizantinas y se esforzaron en imprimir a las figuras naturalidad en el gesto y la expresividad. Estos artistas fueron los predecesores del gran pintor Giotto Di Bondone, considerando el más importante artista de la primera mitad del siglo XIV. Rompió definitivamente con las formas anteriores, desarrollo los principios de la perspectiva atmosférica y asentó las bases para la pintura renansentista. También a esta escuela pictórica pertenecen Taddeo Gaddi, Massaccio y Fra Angelic.
A fines del siglo XIII y a principios del siglo XIV vivieron en Siena un grupo de pintores que fueron famosos en toda Italia debido a la sencillez y el perfeccionamiento de sus obras. Observan las normas tradicionales Bizantinas, pintan con abundancia de oro y figuras muy delicadas. Duccio De Buoninsegna, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti son los artistas mas destacados de esta escuela.
Durante los siglos XIII y XIV hay una intensa producción pictórica en los países de la región de Flandes. Los principales centros artísticos están en Paris y Colonia. Los pintores son a la vez miniaturas y pintores de tabla. En esta región sobresalen las personalidades de Hubert y Jan Vam Eyck, dos grandes genios de la pintura del norte de Europa que ejercieron influencia decisiva en el desarrollo posterior de este arte en todo el continente. Con sus discípulos e imitadores formaron la llamada escuela Flamenca primitiva, cuyos principales representantes son: Roger van der Weyden, Hans Memling y Brueghel el Viejo.
En la península Ibérica, durante l siglo XIV y XV, la pintura se inspira en la de las dos regiones antes citadas. La influencia italiana que llega por el Mediterráneo aparece primeramente en Mallorca, Cataluña, Valencia y Andalucia. La de las regiones del norte de Europa llega por Navarra y se percibe mas intensa en Castilla y Portugal.
La pintura de cada uno de los reinos peninsulares adquiere muy pronto características distintivas y particulares. Pintores representativos de la región son: Pedro y Jaime Sierra, Luis Borrasa, Jaime Huguet, Fernando Gallegos y Bartolomé Bermejo.
La peculiar estructura del templo gótico, que presenta escasos espacios aptos para ser decorados con pinturas murales, imposibilita el desarrollo de la pintura monumental" que presenta escasos ejemplares. Es en las vidrieras de los ventanales y en los códices miniados donde se desarrolla la pintura gótica, de la primera época; pero bien pronto, con la pintura en tabla, son los retablos los que alcanzan un principal interés y en los que se conservan las principales muestras de la pintura gótica.
En la evolución de la pintura gótica pueden distinguirse varias fases. Hacia 11250, la pintura gótica en Francia se halla plenamente formada, extendiéndose su influencia hasta mediados del siglo XIV. Alcanza esta pintura franco-gótica su momento culminante en la primera mitad del siglo XIV, coexistiendo luego con el estilo sienes hasta 1400. Esta pintura franco gótica se halla inspirada en la técnica de los iluminadores, que siguen el estilo de las vidrieras y esculturas. Como en éstas, se renuncia a la estilización románica, tanto en las actitudes como en el estudio de las formas y paños, observadas en la realidad; aparecen con más frecuencia trozos de paisajes y construcciones en el fondo, con somero, estudio de perspectiva lineal, a la vez que en las figuras piérdase la majestad románica, sustituida por la tendencia hacia lo naturalista y anecdótico. Pero, no obstante, presenta ciertos convencionalismos que la caracterizan como a la escultura, es decir, el tipo oval de cabeza de trazos finos y boca menuda, y hacia finos del siglo XIII la característica incurvarían del cuerpo, al que acompaña un adecuado tratamiento de los paños, con esa típica afición del gótico a la línea curva. Al mismo tiempo, el brillante colorido coadyuva a los efectos de belleza, recibido por influencia de vidrieras y miniaturas.
A mediados del siglo XIV, y durante la segunda mitad del siglo, la influencia italiana, en especial de Siena, se difunde por Europa. Es la escuela sienes la que ha roto en Italia con los lazos de la estilización románica y bizantina y ha llegado, dentro de la línea del espíritu gótico, a los más profundos resultados en cuanto a las formas, junto a un rico y luminoso colorido, con lo que muestran las altas cualidades de la pintura para el adorno monumental de paredes y retablos. El estilo de Duccio, fijado por Simone Martini, cuyos trabajos en Avignon contribuyen a la difusión del estilo, se propaga por el occidente europeo. La escuela sienesa, más en armonía que la florentina con el estilo gótico del resto de Europa, renuncia con Duccio al formalismo de los prototipos de Bizancio, invistiéndole con naturalismo gótico, que triunfa con Simone Martini, más influido por el gótico francés.
Hacia fines del siglo XIV la manera sienesa, probablemente por una creciente influencia de lo flamenco y francés, comenzó a asumir algunas características que dieron por resultado la creación del llamado «estilo internacional», que prevalece en Europa hasta que es sustituido en, la segunda mitad del siglo XV por la influencia flamenca, última etapa del arte gótico. El estilo internacional presenta muchas características típicamente sienesas, tales como la afición a las figuras alargadas y líneas caligráficas, especialmente en los espléndidos ropajes, rico colorido y otras características que contribuyen a los efectos de riqueza y bajo los cuales los estudios de forma y espacio quedan reducidos al mínimo. Junto a estas características presenta un naturalismo no sienés y otras características, que es normalmente adscrito a artistas flamencos y franceses, tales como la introducción de temas secundarios, anecdóticos, con una cierta tendencia a la caricatura, incluso a la extravagancia: cuidados retratos, como en las pequeñas figuras de los donadores y, por último, la persistencia de la indumentaria francesa, entonces en boga, y que muestra, por otra parte, el indudable origen francés del movimiento.
Un último periodo lo representa, en la segunda mitad del siglo XV y primer decenio de la siguiente centuria, la difusión de la escuela flamenca, que propaga la técnica al óleo, las composiciones patéticas, el brillante colorido y la técnica minuciosa y en fin, todas las características de esta escuela, que constituye una de las bases esenciales en la formación de la pintura de la Edad Moderna.
Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.
- El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos..
- Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces
- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico
- El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico
- El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional
- La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.
- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.
- La temática religiosa, y en menor escala también la profana
- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional
ANTIGIO COLEGIO DE SAN ILDEFONSO
EXPOSICION DE “JOSE CLEMENTE OROZCO, CULRURA Y VERDAD”
EN el antiguo colegio de san Ildefonso, ubicado en justo Sierra No 16 Centro, 06020 MexicoD.F. se presenta una exhibición de las obras de José Clemente Orozco que realizó entre 1948 y 1949, que se presentaran de el 1ª de Octubre de 2010 hasta el 11 de enero de 2011.
A continuación una breve biografía de José clemente Orozco.
A diferencia de Rivera y Siqueiros, Orozco retrata la condición humana de forma apolítica; se interesa por valores universales y no insiste tanto en valores nacionales, de ahí que sus imágenes más características comuniquen la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia, la religión y la tecnología.
El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dio a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales.
Estilo
Su estilo heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.
“Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales, en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del indígena. Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”.
En dicha exposición se dividió ensalas, las que mas me llamaron la atención fueron: retrato, mexico new yorck 1921-1949, como su nombre lo dice realizo retratos, uno de esos fueron, rosa flores de Orozco 1921, realizado en oleo sobre tela, entre otros retratos.
Después de esa sala, colocaron una sala donde pusieron la cronología de su vida y trayectoria artística. En la siguiente sala colocaron otra clasificación, de la caricatura que el realizab, durante 1906-1925, donde realizo obras como “la carta (1914)” y realizo variasaricaturas para diferentes periodicos como “mundo ilustrado”, “el ahuizote” y el “L`ABC”, fue conocido como el caricaturista inclemente.
En otras salas se abordaron “escuela nacional preparatoria 1926”, “México en la revolución”, “nueva York en 1928-1931”, entre otras.
Me parece muy importante que asistamos a este tipo de exposiciones, ya que el arte en México y el arte mexicano casi nuestra sociedad ya no le es importante y la reemplazan con otro tipo de cosas, que son superficiales.
BIBLIOGRAFIAS
CIBEROGRAFIAS
Antigua.www.portalplanetasedna.com.ar/edadmedia.htm
www.arqhys.com/articulos/medieval-epoca.html
